La guerra animada III: Propaganda Nazi

Ya hemos visto el tipo de propaganda que se hacía a través de los dibujos animados en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial y Hitler no se podía quedar atrás, teniendo como tenía un ministerio dedicado exclusivamente a la propaganda y un ministro, Joseph Goebbels, dedicado en cuerpo y alma a crear material pronazi y antisemita. Así que Hitler y Goebbels pusieron la maquinaria a funcionar, teniendo como ejemplo precisamente a Walt Disney, especialmente "Blancanieves y los siete enanitos" y Mickey Mouse, del que Hitler era un ferviente admirador. Hitler se preguntaba por qué en Alemania no se hacían  películas como las de Disney, en la época más bien se hacía lo contrario: películas de bajo presupuesto y con un talante muy realista.

Así que los mejores dibujantes de Alemania fueron llamados por Goebbels para crear la industria de dibujos animados alemana, que, evidentemente, tendría un cariz propagandístico, pero también buscaba entretener en los tiempos duros de la guerra.

En "Der Störenfried", corto de 1940 realizado por Hans Held, los animales de un bosque se unen para echar al alborotador de su comunidad, representado por un zorro. Aparecen erizos con cascos de la Wehrmacht y avispas en formación, cuyo sonido es el mismo de la aviación alemana.

También en 1940, se realiza el corto "Vom Bäumlein, das andere Blätter hat gewollt", basado en un poema de Friedrich Rückert. Es un film de propaganda antisemita que narra la historia de un árbol de oro, en el que viven unos pájaros y cómo un hombre judío se dedica a robarle las hojas.

   

En 1943, Oskar Sala realiza "Armer Hansi", en el que un inocente pajarito alemán es atacado por unas oscuras aves, que representan, evidentemente, a los judíos. Los nazis recurrían mucho a los animales para su propaganda antisemita como en "Luna de Miel en el Mar de Coral", en el que unos pececillos alemanes son acosados por un pulpo judío.

 Hans Fischerkoesen realiza en 1944 "Der Schneemann", la historia de un muñeco de nieve que quiere conocer el verano. En este corto sí se le da más importancia al entretenimiento que a la propaganda.

La guerra animada II: Metro Goldwyn Mayer, Warner Bros y Paramount Pictures

Además de Walt Disney, otras compañías cinematográficas hicieron cortos de animación propagandísticos durante la Segunda Guerra Mundial. Su fin era captar soldados y dinero, conseguir el apoyo de los ciudadanos e incentivar el aislamiento del enemigo.

De la Metro Goldwyn Mayer es "Blitz Wolf", una parodia del cuento de "Los tres cerditos", nominada al Oscar al mejor corto de animación en 1942, aunque perdió el premio ante "Der Furher's Face", otro corto propagandístico de Disney, del que ya hablamos en el artículo anterior. En este corto, los tres cerditos van a la guerra a luchar contra Hitler, quien ha invadido su país, Pigmania, destruyendo las casas de los dos cerditos menos precavidos, que no tenían miedo de Hitler porque habían firmado con él pactos de no agresión, mientras que el tercer cerdito, el Sargento Pork (clara referencia al Sargento York), sí consigue mantener su casa en pie.

En 1942, Warner Bros produce el corto "The Ducktators", siendo los protagonistas los líderes del Eje, caracterizados como aves.

La Warner Bros estrena en 1943 el corto "Daffy the Commando", en el que se puede ver al Pato Lucas sembrar el caos en las filas alemanas. Como curiosidad, en uno de los encabezamientos de la serie "Futurama", se puede ver un clip de este corto.

También de la Warner es "Nips the Nips" (1944), en el que, esta vez, podemos ver a Bugs Bunny luchando contra los japoneses en el Pacífico. Es un corto muy controvertido, por el retrato que en él se hace de los japoneses y, cuando en la década de los 90 se inició su distribución en VHS, dentro de una colección que englobaba la primera edad dorada de los Looney Tunes, hubo numerosas protestas en Japón, siendo sustituido en este país por otro corto llamado "Racketeer Rabbit".

La Paramount fue otra de las productoras que se animó con la propaganda durante la Segunda Guerra Mundial. En 1942 produjo "Japoteurs", corto en el que Superman lucha contra unos espías japoneses que intentan secuestrar un bombardero estadounidense, para copiarlo y mejorarlo. El título es una mezcla de las palabras Japón (Japan) y sabotaje (saboteur).

Por último, también la Paramount, estrena en 1943 "Spinach for Britain", en la que esta vez Popeye es el protagonista. El famoso marino es el encargado de llevar suministros a Gran Bretaña por el Atlántico, teniendo que luchar con la marina nazi por el camino.

La guerra animada I: Walt Disney

Durante la Segunda Guerra Mundial, el mundo del espectáculo también participó de una u otra manera. Nos son familiares las imágenes de estrellas de Hollywood yendo a arengar a las tropas, algunos incluso se alistaron y participaron activamente en la lucha. Pues los dibujos animados no se quedaron atrás y también quisieron contribuir.

Si ahora pensamos en Disney nos viene a la mente un mundo azucarado y algo empalagoso dónde, aunque algo empiece mal, siempre termina bien porque el mundo es de color de rosa. Pero la factoría Disney contribuyó con un buen número de cortos de corte propagandístico, en los que se fomentaba el odio a Alemania, se parodiaba a los nazis o se animaba a la compra de bonos de guerra.

La estrella de estos cortos fue, sin duda, el Pato Donald, quien protagonizó un buen número de ellos. El primero de ellos fue Donald gets drafted en 1942, en el que Donald es reclutado y se prepara para su nueva vida militar. Con un humor inteligente y satírico, el corto deja entrever un mensaje antibelicista, ridiculizando la vida y la propaganda militar.

Ese mismo año se pudo ver a Donald en Der Fuehrer's face, que consiguió el oscar al mejor corto de animación. Se muestra a Donlad viviendo en Naziland, viviendo una serie de episodios que le van generando cada vez más angustia, hasta que se da cuenta de que todo ha sido un sueño. Termina abrazándose a la estatua de la libertad y sintiéndose muy orgulloso de ser estadounidense.

The spirit of '43 muestra a Donald como el típico jornalero en una fabrica estadounidense, al que se le recuerda que debe abonar su cuota trimestral para mantener al ejercito estadounidense en guerra para defender la libertad. De esta manera, se le recuerda al norteamericano medio que no olvide sus obligaciones con la armada. Como curiosidad, en este corto es la primera vez que se ve la figura del Tío Gilito, aunque nunca se le llama por ese nombre y su imagen está por pulir.

Pero no sólo Donald protagonizó cortos de este tipo, también otros personajes como Los Tres Cerditos, en un corto dónde se ve al lobo feroz portando un brazalete con la esvástica y hablando como Hitler en sus discursos. 

Por último, en 1943, Disney hizo su corto más oscuro, llamado Education for death, protagonizado por Hans, un niño alemán criado en la doctrina nazi para convertirse en un cruel soldado. Muestra el control que tiene el Estado nazi sobre las personas desde el momento de su nacimiento. Finalmente Hans logra hacerse soldado porque ya está totalmente educado para matar.

La vida de Brian

Ya que estamos en plena Semana Santa, mi recomendación cinematográfica será "La vida de Brian", la biografía de un hombre de madre judía y de padre romano, el cual nació, fruto de una violación (al menos al principio :P), el mismo día que Jesucristo, también en Belén. Llevará una vida paralela al del propio Jesús, muriendo, incluso, el mismo día y de la misma manera, pero mucho más acompañado. Se trata de una película cómica, pero no exenta de crítica: quien la haya visto podrá recordar, por ejemplo, la escena de los seguidores de la calabaza y los seguidores de la sandalia.

La película fue llevada a cabo por los Monty Python, un grupo cómico inglés formado por: Terry Jones, Terry Gilliam, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y, el ya fallecido, Graham Chapman. La idea surgió tras el estreno de su segundo largometraje, "Los Caballeros de la Mesa Cuadrada" en 1975, cuando un periodista le preguntó a Eric Idle cuál iba a ser su próximo proyecto y él contestó, medio en broma: "Jesucristo: Sed de gloria". Pero lo que empezó siendo una broma se fue transformando poco a poco en realidad, aunque, la primera idea fue que Brian fuese el decimotercer discípulo de Cristo y que se encontrara en situaciones tales como que no podía asistir a la última cena porque su mujer no le dejaba. También se pensó en dar más protagonismo al personaje de Jesús, pero los Monty Python llegaron a la conclusión de que, en realidad, el personaje daba poco juego cómico y que ciertas escenas podían ofender. Finalmente, el proyecto se centró solamente en Brian, al cual quería interpretar John Cleese, pero se decidió que finalmente lo hiciera Graham Chapman, ya que el papel se amoldaba más a él.

Cuando ya se estaban buscando las localizaciones en Túnez, EMI, que iba a producir el film, se echó finalmente para atrás, ya que consideraba el guión demasiado irreverente, calificándolo de obsceno y sacrílego. Eric Idle recurrió entonces a un gran amigo suyo, el ex beatle George Harrison, que se hipotecó para producir la película. El propio Harrison hace un cameo de unos segundos, interpretando al señor Papadopoulos cuando el gentío persigue a Brian pensando que es el Mesías. Además de rodarse en Túnez, también se aprovecharon los decorados de la película "Jesús de Nazaret" de Franco Zefirelli.

La película iba a durar 120 minutos y finalmente se quedó en 94, ya que se eliminaron algunas escenas polémicas, como la de los pastores zoofílicos que hablan de su amor por las ovejas (tema que ya se vio en el film de Woody Allen "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar", en 1972), o la del comando suicida de judíos nazis.

Finalmente, la película se estrenó en el año 1979 causando una gran polémica. En el Reino Unido se dejó que los propios ayuntamientos decidieran si la estrenaban o no, así que no se estrenó en todo el país; pero sí hizo una gran taquilla, ya que, a pesar de no estrenarse en todo el territorio nacional, fue la cuarta película más taquillera del año. En Irlanda y Noruega directamente se prohibió, algo que también sirvió de ardid publicitario, ya que en Suecia se anunció el film de esta manera: "Esta película es tan divertida que la han prohibido en Noruega". Finalmente, en Estados Unidos, hubo manifestaciones en contra de la película y se la calificó como no apta para menores de 17 años. Pero también allí hizo una gran taquilla, ya que fue la película británica que más recaudó ese año.

Como siempre, a quién no la haya visto, le animo a verla y para los que ya la conocemos, siempre es buen momento para repetir. Y recordad: siempre hay que mirar el lado brillante de la vida.

Los oscar

Estamos a unas horas de saber si la película triunfadora de este año irá de esclavos, estafadores, astronautas o de si alguien dará la sorpresa; pero quizá merece la pena echar la vista atrás y ver cual ha sido el origen y trayectoria de estos premios. Son los galardones más preciados de la industria del cine y, hasta el momento, las películas más laureadas han sido "Ben-Hur", "Titanic" y "El retorno del rey", con once estatuillas cada una. En cuanto a los más nominados destacan Meryl Streep con 18 nominaciones y tres premios, Katherine Hepburn, con doce nominaciones y cuatro premios, y Jack Nicholson y William Wyler con doce nominaciones y tres premios. En cuanto a la película más nominada tenemos "Eva al desnudo" con catorce, de las cuales se llevó seis premios.

Pero todo empezó en 1929 partiendo de una idea de Louis B. Mayer, propietario de la Metro Goldwyn Mayer, el cual pensaba que una ceremonia así iba a mejorar la imagen de la industria del cine. En cuanto al nombre del premio hay, al menos, dos versiones: por un lado se dice que Margaret Harrick, empleada de la Academia, comentó que la estatuilla se parecía a su tío Oscar; mientras hay quien dice que la responsable del bautismo fue la actriz Bette Davis, que al ver el galardón dijo que se parecía a su primer marido Oscar Nelson.

Para hacer el galardón, se usó como modelo al actor y director mexicano Emilio "el indio" Fernández y la primera ceremonia se celebró en la Blossom Room del Roosevelt Hotel de Los Ángeles. Durante años la gala se celebró en hoteles, hasta que en 1942 decidió trasladarse la fiesta a los teatros, ya que el número de asistentes había aumentado considerablemente. Las primeras galas tenían ciertas peculiaridades, como que se premiaban los trabajos hechos durante los dos años anteriores y también se premiaba a los profesionales por el conjunto de películas que hubieran hecho durante este periodo y no por una película en concreto. Así, por ejemplo, la primera actriz galardonada fue Janet Gayner por "El séptimo cielo", "El ángel de la calle" y "Amanecer". El primer actor en llevarse un oscar fue Emil Jannings por "The last Command" y "The way of All Flesh", el cual no pudo asistir a la entrega porque se encontraba de viaje en Europa y le dieron el premio un par de meses antes, convirtiéndose así en la primera persona en ganar un oscar. La primera película galardonada fue "Wings", un film de aviación.

En la década de los 30 se introduce la categoría de mejor interpretación de reparto, más concretamente en 1937, y los ganadores fueron Walter Brennan por "Rivales" y Gale Sondergaard por "El caballero Adverse". Pero en 1933 se produciría, quizá la anécdota más bochornosa de la historia de los premios: Will Rogers anuncia que el ganador del oscar al mejor director es "mi buen amigo Frank", levantándose Frank Capra a recoger el premio, siendo, en realidad, Frank Lloyd el galardonado. En esta década se dieron un par de premios especiales: en 1935 a la recién fallecida Shirley Temple, con tan sólo seis años, y en 1939 a Walt Disney se le entregó un premio de tamaño normal y siete oscars pequeñitos, como reconocimiento a "Blancanieves y los siete enanitos", el primer largometraje de animación.

Shirley Temple y Walt Disney con sus siete pequeños oscars

La década de los 40 estuvo marcada por la Segunda Guerra Mundial y, en este periodo, los oscars que se dieron eran de yeso, ya que la Academia donó el oro para la causa. Eso sí, cuando la contienda acabó, se cambiaron los premios de yeso por estatuillas normales. En 1940 Hattie McDaniel ganó el oscar a la mejor actriz secundaria por "Lo que el viento se llevó", convirtiéndose en la primera intérprete negra en ganar el premio. En 1943, Greer Garson ganó el oscar por su interpretación el "La señora Miniver" y dio el discurso más largo hasta la fecha, ya que duró seis minutos.

En la década de los 50, en 1957, se inaugura la categoría de mejor película de habla no inglesa, ganando la italiana "La Strada", de Federico Fellini. Antes de esta fecha ya se habían dado premios a películas extranjeras, pero eran premios especiales que no entraban en el sistema de nominaciones. También en 1957, por fin se premia a Victor Young por la música de "La vuelta al mundo en 80 días" y digo por fin porque el músico había estado nominado en 21 ocasiones previas. Lo vergonzoso para la Academia fue que Young murió cuatro meses antes de entregarle el premio. En 1959 se realizó la primera retransmisión televisiva de la gala.

En los 60 se dejan de ver los oscars en blanco y negro, ya que en 1966 se hace la primera retransimisión en color. Dos años antes, en 1964, Sidney Poitier gana el oscar al mejor actor protagonista, siendo el primer actor de raza negra que lo consigue. En 1968 se le concede el oscar honorífico a Alfred Hitchcock, que tuvo cinco nominaciones en toda su carrera, pero que nunca consiguió el oscar a mejor director.

La década de los 70 fue la década de los desplantes, ya que dos actores rechazaron el oscar: el primero fue George C. Scott en 1970, que lo ganó por su papel en "Patton" y lo rechazó alegando que odiaba su personaje y que toda la parafernalia de los premios lo único que conseguía era aumentar la competitividad entre los actores. En 1972 lo rechazaría Marlon Brando, que lo ganó por su papel en "El Padrino", y en su lugar fue a recogerlo Sacheen Littlefeather vestida de india y dando un discurso que criticaba lo mal que eran tratados los nativos americanos en las películas. Katherine Hepburn no rechazó sus premios, pero nunca fue a recogerlos y donó sus cuatro estatuillas al Empire State Building. Sólo acudió a la ceremonia en 1973 cuando le concedieron el oscar honorífico. Tampoco acude nunca Woody Allen, ni siquiera cuando "Annie Hall" fue premiada como la mejor película del año. Asisitió, eso sí, en el año 2002 cuando en la gala le hizo un homenaje a la ciudad de Nueva York, tras los atentados del 11 de septiembre.

Pero los 70 dieron para mucho a pesar de las ausencias. En 1970 "Cowboy de medianoche" ganó el oscar a la mejor película, siendo el único film que lo ha conseguido habiendo sido clasificado como X. En 1972, se vivió la ovación más larga de los premios, que duró algo más de cinco minutos, cuando se le hizo entrega a Charles Chaplin de su oscar honorífico. Se le volvía a ver en suelo estadounidense tras veinte años, ya que llevaba todo ese tiempo exiliado en Europa. En 1974, Tatum O'Neal gana el oscar a la mejor actriz de reparto con tan sólo diez años por la película "Luna de papel", siendo la actriz galardonada más joven, dejando a un lado los premios especiales. En 1977 se da el primer premio póstumo a un actor, Peter Finch gana el premio por "Network". Años más tarde, en 2009, este hecho se volvería a repetir con Heath Ledger, mejor actor de reparto por "El caballero oscuro". También en 1977 se premia a Beatrice Straight a la mejor actriz de reparto por "Network", siendo la interpretación premiada más corta, ya que sólo aparece en pantalla durante seis minutos. En 1999, Judi Dench estuvo a punto de emularla por su papel de reina Isabel en "Shakespeare in love", pero Dench apareció durante ocho minutos en la película, así que curró dos minutos más que Straight.

Los ochenta se inician con la victoria de "Kramer contra Kramer" y de su actriz Meryl Streep, que tiene uno de los grandes descuidos de la historia de los oscars, ya que se dejó su premio olvidado en el baño, aunque finalmente lo pudo recuperar. En 1981 se empieza a premiar el mejor maquillaje, ganando el maquillaje de "Un hombre americano en Londres". En 1986 se vive uno de los grandes fracasos de mano de "El color púrpura" de Steven Spielberg, que tenía once nominaciones y no se llevó ningún premio. En 1987 se lleva el premio a la mejor actriz Marlee Matlin por "Hijos de un dios menor", única interpretación hecha con el lenguaje de signos que ha sido premiada. En 1988 se cambia la frase que se dice al entregar los premios pasando del "and the winner is..." al "and the oscar goes to..."

En 1990 se premia el trabajo de Jessica Tandy en "Paseando a Miss Daisy", que con 81 años se convierte en la actriz más longeva en conseguir el premio. Pero los 90 no estuvieron exentos de polémica: en 1993, Jack Palance tenía que entregar el premio a la mejor actriz de reparto y se dice que el hombre iba bastante borracho, por lo que leyó mal el nombre de la ganadora, ya que ganó Marisa Tomei por "Mi primo Vinny", ante el estupor de todo el mundo. En 1997 la misma categoría también tuvo su polémica, ya que ganó Juliette Binoche por "El paciente inglés", a la que se le considera realmente la actriz principal y no la secundaria de dicho film. Como dato curioso, en 1992 nominan a "La Bella y la Bestia" como mejor película del año, algo que no había conseguido ninguna película de animación previamente, ni lo conseguiría después.

Pero ya en el siglo XXI, las pelis de animación tienen su propia categoría, inaugurada en el año 2001 por "Shrek". Ese mismo año, la Academia había dicho que premiaría al discurso más corto con un equipo de televisión, Julia Roberts ganó su oscar por "Erin Brokovich" y dijo que como ya tenía televisión se iba a tomar su tiempo en los agradecimientos. En 2002 Halle Berry gana el oscar a la mejor actriz principal por "Monster's Ball", siendo la primera actriz de raza negra en conseguirlo, ya que las anteriormente premiadas siempre habían sido secundarias. En el año 2003 se premia por primera vez un guión en castellano, el de "Hable con ella" de Pedro Almodóvar y en 2011 se nomina por primera vez una interpretación en castellano, la que hizo Javier Bardem en "Biutiful". En 2008 se da la curiosa circunstancia de que ningún intérprete estadounidense gana un premio, ya que los premiados son, como intérpretes principales Daniel Day Lewis y Marion Cotillard, y como secundarios Javier Bardem y Tilda Swinton. En 2010 se premia por fin el trabajo de una directora, el honor lo tiene Kathryn Bigelow por su trabajo en "En tierra hostil".

Primera gala de los Oscar en 1929

Un apunte curioso sobre los premios: quien gana un oscar no lo puede vender, si se quiere deshacer de él se lo tiene que ofrecer a la Academia, la cual le ofrecerá un dólar por él, y nadie puede escapar a esto, ya que los ganadores firman un contrato que lo estipula así. Pero hay una excepción, los herederos de Orson Welles pudieron vender el osacr que éste se llevó por el guión de "Ciudadano Kane", con el cual ganaron más de 800.000 dólares, ya que Welles nunca había formado dicho contrato.

Con faldas y a lo loco

"Con faldas y a lo loco" es una película de 1959 dirigida por Billy Wilder e interpretada por Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe, que narra cómo dos músicos se ven obligados a vestirse de mujer y a entrar en una orquesta femenina para huir de unos gánsters,

Ante todo un consejo, nunca pretendáis aprender inglés con las traducciones de los títulos de las películas, ya que, evidentemente, el título original, "Some like it hot" no significa "Con faldas y a lo loco", ni "Una Eva y dos Adanes", como se llamó en Hispanoamérica. En España se puso este título para aprovechar el tirón que tenía la canción de moda de la época, que se llamaba "A lo loco" que, si no conocéis la original, a lo mejor sí conocéis la versión que grabó Celia Cruz con Jarabe de Palo y que se incluyó en "El milagro de P. Tinto". Aunque peor fue el caso de Italia, dónde usaron la última frase del film para titular la película, es decir, es uno de esos títulos "destripafinales". En honor a la verdad, hay que decir que la traducción al español es un poco complicada, ya que "Some like it hot" se podría traducir como "A algunos les gusta caliente". Para los malpensados diré que el título original se refiere a la música jazz y no a Marilyn Monroe.

La película fue considerada la más divertida de la historia en el año 2.000 y la verdad es que es una comedia redonda a la que no creo que se la pueda poner ninguna pega, lo que no hace sospechar al espectador que el rodaje en realidad fue un auténtico infierno, especialmente para Billy Wilder y Tony Curtis a causa de Marilyn Monroe.

En un principio la película iba a ser en color, pero finalmente se decidió rodar en blanco y negro para que los maquillajes de Lemmon y Curtis no quedasen tan grotescos. Cuando Monroe se enteró se enfadó mucho y amenazó con abandonar el proyecto, pero después de mucho insistir, Wilder consiguió convencerla. Y es que Billy Wilder la conocía muy bien, ya que la había dirigido en "La tentación vive arriba" (1955) y, tras ese rodaje, Wilder se había jurado no volver a trabajar con Marilyn Monroe, pero sí, el hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra.

Monroe tenía grandes dotes para la comedia, pero una falta absoluta de disciplina, ya que solía llegar todos los días un mínimo de dos horas tarde al rodaje. Sobre este tema, Wilder dijo: "Antes quedabas con ella a las nueve y llegaba a las once, ahora la llamas en mayo y aparece en octubre. Una vez le recriminé su tardanza y se excusó diciendo que se había perdido de camino al estudio... ¡siete años viniendo al estudio y se pierde por el camino! Al principio estaba enfadado porque pensé que no me decía la verdad, luego fue peor cuando supe que me estaba diciendo la verdad". Aunque, para ser justos, también decía de ella que su talento era espectacular.

Una de las exigencias de Monroe era que su profesora de interpretación, Paula Strasberg (esposa de Lee Strasberg, fundador del Actor's Studio y mentor de los actores del método en Estados Unidos), estuviera presente en todas sus escenas. Al acabar cada escena, Monroe se dirigía a ella y le preguntaba: "Paula,¿lo he hecho bien?". Billy Wilder acabó muy harto de esa situación y, un día, al acabar Monroe una escena, el director, imitando la voz de la actriz dijo: "Paula, ¿lo ha hecho bien?". Esto desembocó en un enfado monumental de Strasberg, que se negó a acudir más al rodaje, y de Monroe, que estuvo a punto de abandonar la película.

Los problemas de Toni Curtis con Marilyn Monroe estaban más relacionados con los problemas que tenía la actriz para memorizar el guión. De ella decía Curtis que: "era una mujer con el cuerpo de una diosa y con el cerebro de un niño de cuatro años", o que "besar a Marilyn Monroe era peor que besar a Hitler". Quizá es comprensible cierta inquina hacia Monroe, teniendo en cuenta que una escena en la que tenía que decir: "¿Dónde está el bourbon?" se tuvo que repetir 59 veces, y otra en la que decía: "Soy yo, Sugar" se tuvo que repetir 47. También tuvieron que repetir más de una docena de veces un beso entre Curtis y Monroe y antes de besar a la actriz, Toni Curtis tenía que comer un poco de pollo, así que, tras el rodaje parece ser que Curtis estuvo una buena temporada sin comer pollo, porque ya lo aborrecía, y supongo que por eso también llegó a la conclusión de que hubiera sido mejor besar a Hitler.

También Orry Kelly, el encargado del vestuario de la película, tuvo el honor de enfadar a Marilyn Monroe. Un día fue a su camerino a tomarle medidas y le comentó que Toni Curtis tenía mejor culo que ella, algo que no sentó nada bien a la actriz, que se desabrochó la camisa y le preguntó a Kelly que si también las tetas de Toni Curtis eran mejores que las suyas.

Además de las anécdotas protagonizadas por Monroe, hay otras curiosidades. Por ejemplo, Lemmon y Curtis no eran las primeras opciones para interpretar estos papeles. El papel de Lemmon le fue ofrecido a Jerry Lewis que lo rechazó, ya que no quería que el público le considerase un travesti. Decía Lewis que, cada vez que llegaba la fecha del aniversario del estreno de la película, Jack Lemmon le mandaba una caja de bombones. A Anthony Perkins le ofrecieron el papel de Toni Curtis, pero también lo rechazó.

Dicen que antes de empezar el rodaje, Jack Lemmon y Toni Curtis se pasaron varios días paseándose por los pasillos de la Metro vestidos de mujer, para ver si resultaban convincentes. Y el resultado fue bastante bueno, ya que nadie les dijo nada, ni siquiera cuando se metían en los aseos femeninos. Aunque Toni Curtis tuvo que ser doblado por Paul Frees cada vez que le tocaba hacer de su alter ego femenino, ya que era incapaz de mantener una voz femenina en tono alto.

Por otro lado, George Raft, uno de los tipos duros de Hollywood, famoso por sus papeles de gánster, se pasó gran parte del rodaje enseñando a bailar el tango a Jack Lemmon y a Joe E. Brown, que interpretaba al hombre que se enamora del lado femenino de Lemmon.

La película cuenta con uno de los finales más célebres de la historia del cine, pero parece ser que la última frase era una frase de usar y tirar. que la metieron en el guión hasta que se les ocurriera algo mejor... algo que, por fortuna, no sucedió. Así que recomiendo a quien ya la haya visto que la vuelva a disfrutar y a quien no la haya visto, que haga el esfuerzo, que no se arrepentirá.

!Qué bello es vivir!

Que las televisiones emitan "!Qué bello es vivir!" en época navideña se ha convertido casi en una tradición más. Pero lo cierto es que el camino de esta película no fue nada fácil: tuvo que lidiar con el fracaso cuando se estrenó y hubieron de pasar muchos años hasta que se la consideró un clásico imprescindible.

Fue dirigida por el laureado director Frank Capra y protagonizada por James Stewart y Donna Reed. Tanto para Capra como para Stewart, fue su primer trabajo en el cine tras la Segunda Guerra Mundial, en la que el director había hecho documentales para el gobierno de Estados Unidos, y el actor había participado activamente en la guerra, siendo considerado uno de los mejores pilotos norteamericanos y llegando a ser coronel cuando la guerra finalizó.

El rodaje ya de por sí tuvo varias dificultades, por ejemplo, la historia comenzó siendo la de un político corrupto que se suicida en Nochebuena, pero el guión pasó por once manos diferentes y se fue moldeando hasta convertirse en la película que finalmente se estrenó y cuyo argumento está bastante alejado del argumento original. Además, la película fue un verdadero suplicio para la mayoría de los miembros del equipo, ya que se rodó una película navideña en plena ola de calor veraniega, así que supongo que no tendrían muchas ganas de ponerse abrigos, gorros y guantes. También tuvieron que lidiar con la censura ya que, en esa época existía el "código Hays", muy mojigato, pero a la vez exigente y nadie se lo podía saltar. Así que Hays decidió que en la película había un abrazo y un beso entre Stewart y Reed que duraba más de la cuenta y, por lo tanto, que era demasiado apasionado, así que se tuvo que recortar dicha escena.

Aunque sí hubo algo que se le valoró a la película desde el principio y es que fue el primer film en el que se usó espuma química para simular la nieve. Anteriormente se usaban copos de maíz teñidos de blanco que, evidentemente, hacían mucho ruido al caer, por lo que esas escenas se tenían que doblar después en un estudio de grabación, algo que evitó Capra usando esta nueva técnica. Así que la RKO, el estudio que produjo la película, se llevó un Oscar por este nuevo invento.

"!Qué bello es vivir!" se preestrenó en diciembre de 1946, para poder optar a los premios de la Academia de ese año, y se estrenó al público en 1947. Fue un rotundo fracaso que tuvo varias consecuencias: la RKO tuvo pérdidas de más de medio millón de dólares, algo que le terminó llevando a la quiebra, siendo absorbido poco después por la Paramount; también fue un desastre su paso por los Oscars y, además, la carrera de Frank Capra jamás se pudo recuperar de este revés.

La sociedad norteamericana había cambiado tras la Segunda Guerra Mundial y consideraba el cine de Capra pasado de moda, prefiriendo el cine crudo y realista de "Los mejores años de nuestra vida", la película que eclipsó ese año a "!Qué bello es vivir!", tanto en taquilla, como en crítica y premios. Se pensaba que al cine de Capra le sobraba idealismo y candidez política, así que el director de éxitos rotundos como "Sucedió una noche" o "Arsénico por compasión", dio casi por finiquitada su carrera tras "!Qué bello es vivir!", ya que, desde 1946 hasta 1961, año en el que rodó su última película, sólo hizo 5 films y de escaso valor.

Entonces, ¿cómo uno de los grandes fracasos de la historia del cine se considera hoy en día un auténtico clásico? ¿Por qué se le valora hoy lo que no se le valoró entonces? En esta ocasión la respuesta está en la televisión, ya que "!Qué bello es vivir!" es la película que más veces se ha emitido en la pequeña pantalla porque , a partir de 1974, se pudo emitir gratis en cualquier televisión del mundo. Ese año caducaban los derechos de autor de la película y la Paramount olvidó renovarlos, así que emitir el film se convirtió en la forma más rentable de rellenar un par de horas de televisión. Y de esta manera, la película empezó a tener sus adeptos, sus repercusiones y sus influencias. Por ejemplo, los personajes de Epi y Blas de "Barrio Sésamo" están inspirados en los personajes del taxista y el policía de "!Qué bello es vivir!". En 1987, tal era la importancia que tenía para muchas personas la película, que un juez de Florida impuso la obligación de ver "!Qué bello es vivir!" a un hombre que había matado a su mujer y que después se intentó suicidar, como parte de su condena, para que le diese valor a la vida. Y durante muchos años James Stewart estuvo recibiendo cartas de personas que le aseguraban que, tras ver la película, habían abandonado sus pensamientos suicidas.

En el año 2004, "!Qué bello es vivir!" fue considerada como la mejor película de la historia que no ganó el Oscar. Y ahora, parece ser, que se está barruntando la idea de hacer una segunda parte, que se estrenaría en el año 2015. Así que cruzaremos los dedos para que desistan...

El Resplandor

Gracias a las parodias hechas a partir del anuncio de la lotería de Navidad, parece que se ha vuelto a poner de moda la película "El Resplandor", dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1980. Hoy está considerada una obra maestra del cine de terror, está incluida en prácticamente todas las listas de las 100 mejores películas de la historia e incluso el King's College de Londres la definió en 2004 como la película de terror perfecta, basándose en una fórmula matemática que combinaba elementos como la música, el balance entre la vida real y la fantasía o la cantidad de sangre utilizada. Pero esto no siempre fue así, ya que fue acogida con mucha frialdad tras su estreno, fue prohibida y censurada en varios países e incluso fue nominada a un par de premios Razzie (los anti-oscar) a la peor dirección y a la peor interpretación femenina del año.

En 1977, Stephen King publica la novela "El resplandor", cuyo título está inspirado en la canción "Instant karma" de John Lennon y que dice así: we all shine on. Por esas fechas, Kubrick quería dirigir una película de terror, ya que le ofrecieron ser el director de "El exorcista" y lo rechazó, decisión de la cual terminó arrepintiéndose; así que adquirió los derechos de la novela de King, del que ya se había adaptado "Carrie" con gran éxito. Stephen King tenía una norma y era que él mismo escribía los guiones de las películas adaptadas, pero varias personas que conocían a Kubrick le hablaron de sus excentricidades y de su perfeccionismo extremo, así que finalmente King rehusó y cedió la escritura del guión al propio Kubrick. Stanley Kubrick no lo escribió solo, ya que contó con la colaboración de Diane Johnson, profesora de literatura gótica en la Universidad de California. Para hacer el perfil psicológico de la película, ambos leyeron mucho a Freud y también a Bruno Battelheim, especialmente su "Psicoanálisis de los cuentos de hadas", por lo que en la película hay varias referencias a cuentos infantiles. Eso sí, el guión sufrió multitud de modificaciones a lo largo del rodaje, tantas que el propio Jack Nicholson optó por irse aprendiendo el guión de un día para otro.

En cuanto al reparto, Kubrick siempre tuvo claro que quería a Jack Nicholson en la película, aún así, el guión fue ofrecido a otros actores como Harrison Ford o Robert De Niro, el cual, parece ser, tuvo pesadillas durante varias semanas después de leerlo. Stephen King quería que el actor protagonista fuera Jon Voight y se negaba a que fuera Nicholson, ya que el personaje principal tenía que experimentar una locura progresiva a lo largo de toda la película y para King, Jack Nicholson tenía cara de perturbado desde el primer momento; pero aún así Kubrick se llevó el gato al agua y Nicholson obtuvo el papel.

Con el personaje femenino pasó algo parecido, Stephen King quería que lo interpretase Jessica Lange, mientras que Kubrick quería a Shelley Duval, como al final sucedió. Eso sí, Shelley Duval no se llevó un buen recuerdo de este rodaje, ya que Kubrick la sometió a multitud de insultos y humillaciones para conseguir de ella a una mujer insegura, nerviosa y al borde de la histeria.

La acción de la película se desarrolla en el hotel Overlook, un hotel situado en Colorado en plena temporada baja, al que se traslada la familia protagonista para encargarse del mantenimiento del lugar mientras éste permanece cerrado. Los exteriores del hotel se corresponden en realidad con el Timberline Lodge de Oregon y los interiores, especialmente el salón y los pasillos, se corresponden con el hotel Ahwahnee del parque nacional de Yosemite en California.

En "El Resplandor" hay varias referencias a "Psicosis" en detalles como que las escaleras del Overlook son iguales a las escaleras de la casa de Norman Bates o que el "mal" se encuentra al otro lado de la cortina de la bañera.

El tremendo perfeccionismo de Kubrick hizo que el rodaje se retrasara enormemente, en un principio estaban programadas 17 semanas de rodaje, pero terminaron siendo 51. Uno de los motivos de la larga duración del rodaje fue que Kubrick se empeñó en rodar la película de manera lineal, siguiendo literalmente el guión paso por paso, por lo que siempre tenía que haber una gran cantidad de decorados preparados para rodar. También repetía las escenas hasta límites insospechados, por ejemplo, la primera escena de la película la repitió 148 veces, por lo que se convirtió en la escena más repetida de la historia del cine.

Otro matiz de su perfeccionismo es que incluso controlaba los doblajes que se hacían en el extranjero. En el caso de España patinó y eso que escogió a Carlos Saura para que lo dirigiese y participaron profesionales como Vernica Forqué, que puede gustar como actriz, pero que definitivamente el doblaje no es lo suyo. Así que yo diría que en nuestro país, más que recomendable es obligatorio ver "El Resplandor" en versión original.

En cuanto al final de la película, Kubrick quería que todos los personajes principales muriesen y volvieran al hotel como fantasmas, pero Stephen King se lo prohibió rotundamente. "El Resplandor" es una película que ha ido ganando con el tiempo y que fue hecha, probablemente, en la época dorada del cine de terror, pero al único que nunca convenció el resultado fue al propio Stephen King, ya que siempre pensó que Kubrick no fue fiel al libro. Así que ya sabéis, a leer y a ver la peli para sacar vuestras propias conclusiones.

Paseando por el camino de baldosas amarillas.

En 1890, Frank Baum publicó un libro llamado "El maravilloso Mago de Oz", el cual no quería que fuera el típico libro infantil con una moraleja al final, sino que pretendía que la moraleja formara también parte de la historia. Parece ser que Baum pertenecía a una sociedad teosófica cuya finalidad era unir los puntos comunes de las principales religiones y la filosofía de dicha sociedad la plasma en su libro. Todo el libro en sí es un relato alegórico en el que Dorothy representa el alma que emprende una búsqueda, su perro Totó es un símbolo de la curiosidad y la intuición, el camino de baldosas amarillas es una representación de la vida misma, la Ciudad Esmeralda es la tierra prometida, el Mago de Oz es un dios al que, en principio, hay que temer, pero que después resulta ser un farsante y una charlatán; y los zapatos de plata (que en la adaptación cinematográfica son de rubíes) representan el poder de Dorothy que siempre ha estado con ella, aunque no haya reparado en él. Curiosamente los tres compañeros de viaje de Dorothy son una representación de aquello de lo que carecen: el espantapájaros es la parte racional, el hombre de hojalata es la parte emocional y el león representa la fuerza y el empuje. En resumen, para Baum el mundo no es más que una fantasía manejada por magos poderosos a los que se les termina pillando el truco.

En 1939, debido al éxito de películas infantiles, especialmente de "Blancanieves y los siete enanitos" un par de años antes, Louis B. Mayer decide hacer una adaptación de "El mago de Oz" para la gran pantalla. El quería contar con Shirley Temple, la estrella infantil de la Warner, pero al no acceder el estudio, se tuvo que conformar con una actriz de casa, Judy Garland, aunque era un poco mayor para el papel, por lo que tuvo que usar corset durante todo el rodaje, para darle una apariencia más infantil.

Fue un rodaje bastante accidentado ya que, por ejemplo, varios de los actores que interpretaban a los monos que acompañaban a la Bruja del Oeste resultaron heridos al caerles encima parte de los decorados, la misma Bruja del Oeste, Margaret Hamilton, tuvo varias quemaduras al rodar varias de sus escenas, por lo que exigió una doble, la cual salió igualmente mal parada; y Jack Haley, el hombre de hojalata, tuvo muchos problemas con su maquillaje, el cual le provocó una grave infección ocular.

Como en casi todas las películas, también hubo muchas escenas eliminadas, por ejemplo muchas de las que interpretaba Margaret Hamilton, por resultar, en ocasiones, demasiado oscura. De hecho Margaret Hamilton era maestra y, después del estreno de la película, se las vio y se las deseó para tratar de convencer a sus pequeños alumnos de que en realidad ella no era la Bruja del Oeste. También quisieron eliminar la escena de la canción "Over the rainbow", ya que pensaban que no aportaba nada a la película, pero por fortuna no lo hicieron, ya que se llevó el Oscar a la mejor canción y está considerada la mejor canción cinematográfica de la historia.

Como director se escogió a Victor Fleming, pero estaba haciendo tan buen trabajo con "El Mago de Oz" y tenía tanta destreza rodando en technicolor, técnica que en esos momentos estaba echando a andar, que fue escogido para dirigir "Lo que el viento se llevó", por lo que no pudo finalizar la película, así que le sustituyó King Vidor, que también hizo una gran labor, ya que se encargó de rodar todas las escenas en blanco y negro de la película, es decir, la vida de Dorothy en Kansas.

Pero quizá quienes hayan dado más que hablar y más rumores y leyendas han desatado sean los Munchkins. Algunos de ellos ya tenían experiencia cinematográfica, ya que años antes habían participado en la, también muy recomendable, "La parada de los monstruos"; pero con experiencia o sin ella, lo cierto es que fue un grupo muy mal pagado durante el rodaje. Para muestra un botón: Terry, el perro que interpretaba a Totó, ganaba 150 dólares a la semana, mientras que los Munchkins ganaban 50. Pero bueno, al menos parece ser, que fueron los que más disfrutaron del rodaje, ya que tenían fama de juerguistas y borrachos y de montarse auténticas bacanales en el hotel. También hay una leyenda urbana que dice que, en una de las escenas de la película, se puede ver como un Munchkin se ahorca en un árbol ofreciéndonos así su suicidio en directo. Esto es totalmente falso, pero en la época que vivimos ahora parece ser que se puede encontrar algún vídeo en Youtube con un montaje de dicha escena. Finalmente los Munchkins fueron reconocidos en el año 2007, cuando consiguieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

La película tuvo mucho éxito y sigue siendo un referente hoy en día. Ganó tres premios Oscar: a la mejor banda sonora, que está considerada la mejor de la histora; a la mejor canción y Judy Garland consiguió una estatuilla a la mejor interpretación juvenil del año. En el año 2007, la UNESCO declaró a "El Mago de Oz" Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Que la fuerza te acompañe

Allá por los años 70 un joven George Lucas trataba de hacerse un hueco en la industria del cine, al igual que otros amigos suyos como Steven Spilberg, Brian de Palma o Martin Scorsese. En un principio quiso hacer la adaptación cinematográfica de Flash Gordon, pero no obtuvo los derechos, así que emprendió el proyecto de hacer una adaptación de "La fortaleza escondida", película de 1958 de Akira Kurosawa, pero en vez de situarla en el Japón feudal decidió hacerlo en una galaxia muy lejana. Para llevar a cabo este proyecto, también tomó como referencia el libro de Joseph Campbell "El héroe de las mil caras", una obra sobre la mitología a lo largo de la historia, en la que defiende que el héroe (Luke Skywalker) siempre pasa por 12 estadios diferentes, siempre tiene la ayuda de un guía (Obi Wan Kenobi) y parte de su misión siempre es ayudar a una dama en apuros (Princesa Leia).

Así que con todos estos ingredientes se inició el rodaje de Star Wars, una de las sagas más influyentes de la historia del cine. Para poder llevarla a cabo, George Lucas creó su propia compañía, Lucas Films, ya que las infraestructuras para hacer cine de ciencia ficción aún no estaban muy avanzadas en esa época, así que decidió financiarse a sí mismo y con la ayuda de otras personas, a las que encontró poniendo anuncios en su universidad. Estas personas, al aportar cierta cantidad económica para la película, se convertían en accionistas de la compañía y muchos se retiraron tras el estreno ya que se habían convertido en millonarios... Si hubieran aguantado hasta la finalización de la saga probablemente hubieran sido multimillonarios! Con la compañía ya creada se inició el casting y la construcción de decorados. Como curiosidad, una de las naves que sale en la película fue construída a escala real, no es otra que la pilotada por Han Solo, el Halcón Milenario.

En cuanto al reparto, Brian de Palma iba a rodar la adaptación cinematográfica del libro de Stephen King, "Carrie", y Lucas y él decidieron hacer un casting conjunto para abaratar costes. En este casting, se eligió a Sissy Spacek para hacer de Leia y a John Travolta para hacer de Han Solo, pero finalmente se decidió que ambos colaborasen con de Palma en "Carrie" y les sustituyeron Carrie Fisher y Harrison Ford. El actor David Prowse fue contratado para interpretar a Chewbacca por su altura, pero lo rechazó porque se negaba a interpretar a un personaje sin que se le viera la cara. Tras esta negativa, Lucas le ofreció, supongo que no sin cierta sorna, interpretar a Darth Vader.

Probablemente el personaje de Darth Vader sea el verdadero icono de esta saga y, a pesar de ser el villano, tampoco se le recuerda con matices negativos. Se le bautizó con ese nombre porque Vader significa padre en holandés y se inspira en dos villanos de cómic: el Doctor Muerte, que es el enemigo de los Cuatro Fantásticos y que además siempre portaba capa y máscara; y Darksaid, el padre oscuro de los nuevos dioses, que tiene un hijo llamado Orion leal a los dioses, por lo que Darksaid siempre trataba de que su hijo se fuera a su bando. Este personaje no ha perdido su influencia a lo largo del tiempo, años más tarde se iban a construir unas gárgolas en la catedral de Washington y se hizo un concurso entre los estudiantes de la ciudad, que podían elegir una representación del mal para que fuera imagen de una de las gárgolas y por supuesto ganó Darth Vader. Así que, quien vaya a Washington, se puede encontrar a un Darth Vader de piedra en lo alto de su catedral. Hay quien puede pensar que la religión Jedi ha encontrado su sitio.

Y bueno, la saga tiene varias curiosidades y gazapos, claro. Por ejemplo, cuando Luke destruye de Estrella de la Muerte, el actor que lo interpreta, Mark Hamill, se equivoca y en vez de gritar el nombre de Leia, grita el nombre de Carrie (Fisher). En los créditos del principio hay una falta de ortografía que ha perdurado en todas las películas de la saga y no es otro que, en vez de aparecer tres puntos suspensivos, aparecen cuatro. En un principio Yoda se iba a llamar Buffy (sí, como la cazavampiros), pero afortunadamente ese nombre fue descartado. Y otro nombre que da mucho juego es el de R2-D2, que en Latinoamérica se le conoce como Arturito (ar two di two) y en Italia prefirieron cambiarle el nombre y se le conoce como C1-P8.

Para muchos fans de la saga el día de Star Wars es el 4 de mayo por la similitud que hay en lengua inglesa entre el sonido de esa fecha y el de la frase insignia de la saga ("May the fourth" y "May the force..."), pero la leyenda comenzó el 25 de mayo de 1977, el día de su estreno. Antes de estrenarla, George Lucas hizo un pase privado para de Palma, Spilberg y Scorsese, los cuales quedaron bastante conmocionados con la película, ya que nunca se había visto nada parecido. Digamos que las directrices de la ciencia ficción hasta el momento las marcaba "2001" de Kubrick, en la que todo era blanco, inmaculado y muy limpio, mientras que en "La guerra de las galaxias" se nos presentan unos personajes con un vestuario anacrónico en medio de escenarios sucios y polvorientos. Scorsese no dijo nada, de Palma le aconsejó que no la estrenara, mientras que Spilberg dijo que no lo dudara, que tenía que estrenar. Por cierto, Spilberg le dio otro consejo a Lucas, ya que éste pretendía que la banda sonora de la película estuviera compuesta por música disco (imaginaos si se hubieran quedado con Travolta y la música disco, hubiera sido algo así como "Fiebre del Sábado Intergaláctico"), pero Spilberg, bastante horrorizado por la idea, decidió presentarle a John Williams, quien compuso una de las bandas sonoras más reconocibles de la historia.

Y de momento van seis películas de la saga, aunque yo, aún a riesgo de que varios frikis se me tiren al cuello, sólo me quedo con las tres primeras, que en realidad son la cuarta, quinta y sexta. Ya veremos lo que nos depara el futuro...